Todos los grandes directores saben que cuando se encuentran delante de un gran guión,lo que deben hacer es pasar desapercibidos. A priori parece fácil, pero en realidad es una de las grandes dificultades para un director de cine.

Un dios salvaje es la adaptación al cine de la famosa obra de Jasmina Reza, llevada al teatro en multitud de ocasiones. Es una obra cínica, punzante, sobre la hipocresía de nuestra sociedad y el comportamiento estúpido de personas adultas ante un problema originado por los hijos.
Polanski, como gran director que es, se limita a colocar la cámara donde debe para poder escrutar los rostros y las expresiones de un cuarteto en estado de gracia: Kate Winslet, Jodie Foster, John C. Reilly y Christoph Waltz. Utiliza la profundidad de campo de manera magistral, consiguiendo una magnifica sincronía entre movimiento externo e interno, integrando además el fondo con los personajes de manera natural.
El argumento gira alrededor de una pelea callejera entre dos niños de once años (soberbia la secuencia inicial de fondo, sin enfatizar) y de cómo reaccionan los padres de éstos ante ese problema. Poco a poco veremos cómo van cayendo las caretas y aparecen de manera brutal los más salvajes comportamientos de dos matrimonios adultos que convierten una situación casi cotidiana en un altercado de altura.
Habrá quien compare el film con el celebre “Quién teme a Virginia Wolf”, ya que comparten puntos en común como un único espacio de acción y unos diálogos brillantísimos. Pero así como en el film mencionado se mostraba la parte más intelectual del ser humano, en Un dios salvaje se registran situaciones y comportamientos más banales, y es ahí donde está el merito y la diferenciación de la película.
A primera vista, podría pasar como un film menor en el filmografía de Polanski; pero estamos sin duda ante un tour de force que en sus manos se convierte en algo sencillo. Su corta duración y su cinismo la convierte en una gozada suprema, además para todo tipo de paladares. Absolutamente recomendable.

SOMEWHERE de Sofia Coppola

Es indudable que el universo que se plasma en el último film de Sofia Coppola le resulta muy cercano, los puntos autobiográficos están latentes en todo el desarrollo de la película. Se desenvuelve como pez en el agua en la descripción de los ambientes: el emblemático Hotel Marmont se puede oler, los personajes secundarios resultan muy creíbles y el acierto en el casting es espectacular (como siempre). Stephen Dorff da al personaje una interpretación muy sutil y Elle Fanning se convierte en uno de los grandes descubrimientos recientes del cine, actúa con una naturalidad impresionante y su sonrisa es impagable.
Somewhere explica la historia de un actor de fama internacional (Dorff) que vive una vida anodina hastiado de placer y de lujo, un hombre mediocre que soporta la fama desde la óptica más superficial (magnificas secuencias las de las Strippers y el programa de TV italiano) y que navega entre sexo y pastillas totalmente aislado, su único contacto con el mundo real son las visitas de su hija (Fanning). Un día recibe una llamada de su exmujer comunicándole que se va por una temporada y que debe hacerse cargo de ella, a partir de ahí, se inicia una relación más estrecha que le hará reflexionar y desembocará en un cambio de actitud ante su vida.
Sofia Coppola, es hija de quien es y labrarse un futuro como directora, teniendo como mentor al maestro Francis, no es tarea fácil. De ahí que sea doblemente meritorio el valor como autora que tiene; desde sus inicios siempre ha tenido muy claro diferenciarse de su padre utilizando todos los valores generacionales y culturales que posee; Sofia es una mujer de su tiempo y siempre lo utiliza en su cine, es capaz de hacer aparecer unas “converse” en Maria Antonieta, también de utilizar elementos cotidianos de su cultura como el sofisticado karaoke de “Lost in translation” y la PS3 del film que nos ocupa. Además tiene una extraña habilidad con la música, consigue que temas de rabiosa actualidad se conviertan inmediatamente en clásicos (Air, Phoenix, etc…)
Pero sobre todo lo que define a Sofia Coppola como directora de Cine es la tremenda poesía urbana que destilan sus imágenes, su modernidad bien entendida y la extraordinaria casta que le rodea….ser un Coppola son palabras mayores.

EL ÁRBOL DE LA VIDA.

En esta primera década del siglo XXI, debido sin duda a la invasión general de las nuevas tecnologías, ha aparecido una nueva saga de críticos cinematográficos, fundamentalmente modernos (gafas de pasta y camisetas fashion estampadas) con un bagaje cultural que se basa como máximo en saber bajarse una película por Internet y conocer más o menos quien es Steven Spielberg. Estos personajes son los que defienden las secuelas de Transformers o X-Men, los que adoran a los hermanos Farrelly o los que incluso son capaces de alabar con más entusiasmo “Resacón en Tailandia” que su predecesora. Esos mismos personajes son los que permanecen inalterables e incluso son capaces de visionar sin que les produzca reacción dermatológica el aluvión de horrorosas comedias americanas, al ritmo de dos por semana, con títulos como “derecho a roce”, etc…
En cambio esos mismos personajes (por suerte no son todos) son los que se atreven a destrozar sin compasión la ultima obra de Malick. Que fácil, que obvio, atacar un film por su grandilocuencia, por su pretenciosidad o por su duración. Que larga, que pesada.
Es evidente que la capacidad de aguante de la generación YOUTUBE es mínima, todo lo que no sea consumo inmediato no vale en estos tiempos de estrés tecnológico.
El film de Malick, es ante todo una apuesta personal, arriesgada y bellísima que nos plantea una reflexión demasiado filosófica para los tiempos que corren. La dualidad terrenal y divina; el significado de la familia, la necesidad de la fe en el ser humano, pasando de lo micro a lo macro a través de imágenes recopiladas en veinte años de su vida. Todo ello con un poder de seducción absolutamente aplastante. Malick basa la película en el uso de la voz en off y en los juegos de miradas entre los personajes componiendo una gama cromática muy compleja y a la vez muy sencilla, mezclando la realidad y lo místico, la naturaleza en todo su esplendor con los más mínimos detalles del comportamiento de un niño; todo subrayado por una banda sonora sublime de Alexander Desplat (el curioso caso de Benjamín Button).
Demasiado arte para unos tiempos en que el Cine se consume en USB, sin importar si el sonido es bueno o si en medio de la proyección aparece una silueta de un espectador que llega con retraso.
El film de Malick nos recuerda que el cine puede ser arte, que te puede o no gustar, pero
que desde luego merece la máxima atención y respeto, ya que estamos ante una de las mayores obras cumbre de la cinematografía de los últimos años; el paso del tiempo la colocará en su lugar.

Dicen los entendidos que ha sido un salto al vacio, que ha dado un brusco giro en su carrera, que ha llevado a cabo un arriesgadisimo proyecto. Creo sinceramente que salvo pequeñas diferencias Almodóvar sigue siendo el mismo de siempre. Si es cierto que esta película es más fría y austera, que las estridentes escenas cómicas son menos, que cada film que pasa se toma más en serio y que ha perdido una parte de espontaneidad para pasar a una estudiadísima puesta en escena con el estilo colorista de siempre y con un dominio de la cámara cada vez mayor.
También es cierto que el cine de Almodóvar adolece del mismo problema de siempre, sus historias no son creibles y sus personajes son profundamente superficiales, pero esto no es una crítica, es su partícular visión del mundo. O te gusta su estilo o no te gusta, no hay medias tintas. Sus personajes, salvo raras excepciones, no emocionan, no transmiten, sencillamente son figurantes magníficamente filmados (Elena Anaya está bellisima), pero son personajes que no se sostienen, porque las historias que hay detrás son siempre excesivamente rebuscadas, sofisticadas y algunas veces se pierden en sus oscuros recovecos.
La historia pretende ser dura y siniestra y en algunos momentos mezcla con habilidad diversidad de géneros: terror, noir, melodrama, etc.
Pero como siempre el resultado final decepciona, su intención de acabar con un final seco y doloroso no se cumple ya que Almodóvar supedita el argumento a la estética y la fuerza narrativa se diluye por completo.
Almodóvar es cada vez más artista y menos realista, su madurez es más sórdida y sus transgresiones más salvajes; pero el impacto emocional es cada vez menor, ya nada sorprende.
Eso si, le reconozco su autoría y su absoluta libertad para hacer Cine, cosa que hoy en día pocos se pueden permitir.

Ferran Plazas